Todo sobre la fotografía

Kodak, la caída de un símbolo

2012-01-19T17:57:00.000-05:00

Fuente: Reuters - Nueva York, Estados Unidos

Eastman Kodak Co, que inventó la cámara fotográfica de mano y ayudó a traer al mundo las primeras imágenes de la Luna, solicitó protección por bancarrota, una decisión que culmina una larga caída de la que sigue siendo una de las empresas más conocidas de Estados Unidos.

La firma de 130 años, pionera de la industria fotográfica y que trató de reestructurarse para convertirse en vendedor de productos fotográficos de consumo, dijo además que obtuvo de Citigroup una línea de crédito de 950 millones de dólares por 18 meses para seguir funcionando.

El préstamo y la protección por bancarrota de los acreedores comerciales estadounidenses podría proporcionar a Kodak el tiempo que necesita para encontrar compradores para sus 1.100 patentes digitales, la clave del valor que le queda, y rediseñar su negocio mientras continua pagando a sus 17.000 trabajadores.

"El directorio y todo el equipo ejecutivo, por unanimidad, creen que este es un paso necesario y lo que hay que hacer por el futuro de Kodak", dijo en un comunicado el presidente y presidente ejecutivo de la empresa, Antonio M. Pérez.

Kodak dijo que la firma y sus filiales estadounidenses solicitaron la reorganización en bancarrota bajo el Capítulo 11 al Tribunal de Quiebras para el Distrito Sur de Nueva York. Las filiales fuera de Estados Unidos no están cubiertas por la presentación, añadió.

A fines de septiembre, el grupo, tenía activos totales de 5.100 millones de dólares y pasivos de 6.750 millones de dólares.

Un gigante de la imagen

Kodak una vez dominó su industria y su película llegó a ser objeto de una popular canción de Paul Simon, pero no logró adaptarse a las tecnologías más modernas, como la cámara digital, irónicamente, un producto que ella misma inventó.

Su caída golpeó a la vieja zona industrial de la ciudad de Rochester, en el estado Nueva York, con una baja del empleo a unos 7.000 puestos de trabajo desde más de 60.000 durante el apogeo de Kodak.

Su valor de mercado se ha hundido por debajo de los 150 millones de dólares desde los 31.000 millones de dólares de hace 15 años.

En los últimos años, el presidente ejecutivo Pérez había dirigido el enfoque de Kodak hacia el consumidor y las impresoras comerciales.

Sin embargo, no logró restaurar generar ganancias, algo que Kodak no ha ocurrido desde el 2007, o detener la fuga de efectivo que ha hecho difícil que Kodak pague las pensiones y otros beneficios para sus trabajadores y pensionados.

En los últimos cinco años, Kodak había usado grandes litigios de patentes contra sus rivales tales como Apple Inc, Research in Motion Ltd y la taiwanesa HTC Corp como un medio para tratar de generar ingresos.

Las patentes pueden ser vendidas durante el proceso de bancarrota.

Camino a la Luna

George Eastman, un alumno que abandonó sus estudios de preparatoria en el norte del Estado de Nueva York, fundó Kodak en 1880 y comenzó a fabricar placas fotográficas. Para poner en marcha su negocio gastó 125 dólares de un motor de segunda mano.

En ocho años, el nombre de Kodak se convirtió en una marca., La compañía había introducido la máquina fotográfica manual al igual que un rollo de película, convirtiéndose en un el fabricante dominante.

Eastman también introdujo el "dividendo salarial" por el que una compañía paga un bono a los empleados sobre la base de los resultados.

Casi un siglo después de la fundación de Kodak, el astronauta Neil Armstrong usó una cámara de la empresa del tamaño de una caja de zapatos para captar imágenes mientras se convertía en 1969 en el primer hombre en caminar en la Luna.

La película posiblemente tuvo más espectadores que las 80 cintas ganadoras del Oscar a mejor película que se filmaron con Kodak.

Seis años antes de la caminata de Armstrong, y no mucho tiempo después de que Paul Simon dijo a su madre que "no le quitara su Kodachrome", Kodak inventó la cámara digital.

Del tamaño de una tostadora, era demasiado grande para los bolsillos de los fotógrafos aficionados, cuyos bolsillos estaban repletos de ofertas digitales, tales como Canon, Casio y Nikon.

Pero en lugar de desarrollar la cámara digital, Kodak lo postergó y pasó años observando a sus rivales apoderarse de participación del mercado.

En 1994, Kodak escindió un negocio de químicos, Eastman Chemical Co, que demostró ser más exitoso.

La caída final de Kodak ante los ojos de los inversores comenzó en septiembre, cuando inesperadamente retiró 160 millones de una línea de crédito, despertando temores a una falta de efectivo.

Campaña “Unhate“ de Benetton

2011-11-17T11:31:00.001-05:00

Siempre he sido admirador de las campañas de Benetton, estas durante años han sido muy impactantes por la manera de llamar la atención al mundo entero sobre temas multirraciales, entre otros, pero ahora después de algunos años en aparente calma Benetton prende las alarmas en el mundo con estos montajes que son bastante molestos para quienes aparecen en ellos, es tal la molestia que ya el Vaticano protesto y Benetton tuvo que retirar la escandalosa imagen en la que el Papa Benedicto XVI se estaba besando con Ahmed Mohamed, el-Tayeb el imán de la mezquita Al-Azhar en El Cairo, no es para menos, que estarna pensando Hugo Chávez y Barck Obama, por no mencionarlos a todos, aunque el menos ofendido es el presidente de Francia Nicolas Sarkozy y la canciller de Alemania Angela Merkel, pues al fin y al cabo es un beso entre hombre y mujer, que es lo normal.

Las tácticas de Benetton que ahora quieren volver por esas lindes con la campaña “unhate” en la cual retratan a varias figuras políticas besándose con sus principales contrarios.

Bajo el lema “Unhate“ Benetton quiere lanzar un mensaje con el que detener el odio. La marca “nos invita a considerar que el amor y el odio no están tan alejados entre sí como pensamos“. Adiós al odio y a dicha cultura.

La instantánea del Papa Benedicto XVI con Ahmed Mohamed, el-Tayeb el imán de la mezquita Al-Azhar en El Cairo, fue colgada del Puente de Sant’Angelo en Roma, cerca del Vaticano, como informa El Mundo.

En otras de las imágenes salen Angela Merkel y Nicolas Sarkozy, canciller de Alemania y presidente de la República Francesa, respectivamente.

Mahmud Abbas, presidente de Palestina, con Benjamin Netanyahu, primer ministro de Israel.

El Querido Líder de Korea del Norte, Kim Jong-Il, con el presidente de Corea del Sur, Lee Myung-Bak.

AUnque Barack Obama es quien más pilla. Primero con el Presidente de la República Popular China, Hu Jintao.

Y segundo con Hugo Chavez, presidente de Venezuela.

Eugene Atget

2010-05-09T16:46:00.000-05:00

Eugéne Atget, nace en Libourne (Francia) el 12 de Febrero de 1857.

Aún joven, viaja a Uruguay: quiere ser marino, profesión que deshecha al poco tiempo.

Forma parte de una compañía ambulante de teatro. No le encargan los papeles principales, debido a su no muy agradecido físico y a su fuerte acento regional. Otra vez en París intenta ser pintor, pero de nuevo no tiene suerte.

Se convierte en fotógrafo que suministra material a los pintores de estudio de la época, los cuales incorporan a sus cuadros los detalles, flores, objetos y árboles que registra con su cámara.

Él considera sus fotografías como documentos para artistas. ‘También trabaja para ciertos organismos oficiales como la Comisión del Viejo París y la Biblioteca Histórica de la Villa de París, para los que realiza diferentes series:

París pintoresco 1898-1900, El viejo París 1898, El arte en el viejo París 1900, La fotografía del viejo París 1901, el París Pintoresco 1910.

Utiliza una cámara de fuelle con placas de vidrio de 18 x 24 cm. con el objetivo desplazado, para evitar que las verticales se distorsionen, lo que provoca la aparición de bordes negros en la parte superior de sus fotografías.

La cámara que utiliza pesa unos 20 Kgs. y aunque ya existían los negativos flexibles, él nunca los utiliza.

Viaja en autobús o en metro. En un cuaderno suyo que se conserva, figuran las direcciones de sus clientes con la parada de metro más próxima. Sus fotografías están realizadas a primeras horas de la mañana (se le solicitaba que no aparecieran personas) ya que el interés oficial se orienta hacia los monumentos históricos.

Recorre uno a uno los diferentes barrios de París. Amplía su objetivo de reflejar los monumentos históricos a todo edificio o lugar que le despierta interés. No está interesado en el Gran París de Hausmann, él está interesado en el París que cambia constantemente.

Realiza una cantidad enorme de fotografías desde 1898 hasta 1925, año de su muerte. Al final de su vida se sugestiona con el París que está desapareciendo, hay textos en sus fotografías que indican la próxima desaparición de los elementos que figuran en las mismas.

Debido a un cúmulo de circunstancias, sus fotografías analizadas hoy reflejan algo que es posible que él ignorase en el momento de realizarlas: Un París que ya no existe, la ausencia de personas o más bien la presencia fantasmal de las mismas.

Sus fotografías no tratan de representar ningún acontecimiento, sino que son visión frontal, una mirada fría y aséptica del objeto de la fotografía tal y como es. Este conjunto de elementos hoy nos transmiten una sensación de nostalgia y de drama, próxima a mensajes sugeridos por otros artistas nada ingenuos como puede ser Giorgio de Chirrío.

Este análisis de sus fotografías fue ya realizado en su tiempo por fotógrafos como Berenice Abbott y Man Ray a los que conoció.

Man Ray le presenta a los surrealistas. Le proponen publicar alguna foto en el número de Junio de 1926 de la revista La Revolución Surrealista (Corset de 1912). Atget dice: no incluyan mi nombre. Las fotos que tomo son simples documentos. La posición política y moral de los surrealistas no interesa a Atget.

En 1968 el MOMA de Nueva York adquiere 10.000 de sus negativos.

¿Son las fotografías de Atget meros documentos o es arte?

El trabajo de Atget trasciende a su creador.

Ha inventado la moderna fotografía.

DOROTHEA LANGE

2010-05-02T19:42:00.001-05:00

Fotógrafa del pueblo. Así constaba en su tarjeta de visita. Aunque se inició estudiando en la CL.ARENCE WHITE SCHOOL, de marcado carácter pictoralista y posteriormente abrió un estudio en San Francisco, su salida a la calle como reportera marcó definitivamente las que serían las señas de identidad de su trabajo.

Su obra más conocida se desarrolla en los años 30, años de la depresión. Una profunda crisis asola el país y miles de campesinos no tuvieron más remedio que abandonar sus casas en busca de una tierra prometida.

Al igual que Walker Evans, con quien comparte esa mirada concisa y digna, recorre el país trabajando para la Farm Security Administration documentando la precaria situación en la que viven los aparceros.

Se convierte así en testigo de esta época, pero a diferencia de Evans, sus personajes ganan en humanidad. Se acerca a ellos de manera casi amorosa, dándoles un cierto halo de heroísmo.

Su obra es testimonio de la imagen más trágica de América, testimonio por otro lado lleno de compromiso, convencida de que sus imágenes podían ayudar a cambiar las cosas.

Su mirada huye de la sensiblería y de la dramatización, surge de un profundo sentimiento humano y de una conciencia social unida a una lucha incansable por la igualdad de la mujer.

BRASSAI

2010-05-02T19:39:00.001-05:00

«La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza; ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día, son dominadas por la razón...» (Brassai)

La fotografías de Brassai son la noche!. La noche universal. La vida en la noche.

No es la noche en París, es la noche. La noche es una parte de la vida. Nos presentan todo tipo de personajes matones, mendigos, prostitutas, enamorados, homosexuales. Nos presentan todo tipo de lugares bares, garitos, salones de baile, prostíbulos, calles. Nos presentan la vida que pasa. Es un mundo distinto, no es el mundo de la luz, de la claridad, es el mundo de la pasión.

Es el mundo de la música, del alcohol, del sexo y de la droga.

Sus personajes, anónimos, universalizan su mensaje. Fueron ellos y somos nosotros. Aunque reflejan un mundo desaparecido, muestran nuestro mundo, nuestros sentimientos.

André Kertész

2010-05-02T19:32:00.003-05:00

André Kertész (1894 - 1985)

Nace en Budapest El 2 de Julio de 1894. DESDE Pequeño sí Interesa por la Fotografía, gracias sin un ma anual Que encuentra en su casa ", pero no es Hasta 1912, gracias A su trabajo como contable en la" bolsa ", cuando se puede comprar su primera cámara (ICA 4.5x6) y una comienza fotografiar escenas de la calle y de la campiña.

Sirve en el ejército austro-húngaro en Los Balcanes, dónde son los cantantes resulta Herido en 1915 ..

Fotografía uno sus camaradas de guerra, pero muchas fotos de los SEE se pierden durante la Revolución Húngara de 1918.

Se nacionaliza estadounidense en 1944.

Bazar trabaja como freelance párr revistas como Vogue y Harper's Mire su trabajo pero no da un sí Hasta 1964 Año en el que realiza una exposición individual en El MOMA. À partir de entonces su trabajo es expuesto en los principales museos y reconociendosele Acaba Su Influencia en el fotoperiodismo y fotografía Artística.

Fotografías, en apariencia, sencillas, sí apoyan en una composición rigurosa, en una calidad calculada, tanto técnica como estética, dejan que la Luz una de las grandes dotes de vigía de André Kertész. Un olfato único párr percibir aquello que el ojo ve en solitario.

Fotografías que denotan una extremada paciencia, para que todo esté su sitio en ese instante decisivo, en el que todo esté perfectamente organizado, y posteriormente que utilizara Cartier-Bresson, Pero que en André Kertész rezuma calidad e Intimidad, nunca llegar a un punto, ese en el que sin exceso de belleza haga olvidar la imagen y que no se perciba la emoción del momento. Fotografías de instantes, que hasta entonces habian pasado inadvertidas, ven Ahora la honestidad una luz en contra, con una mirada auténtica y nueva muestra que un mundo cotidiano en el que el atisba la vida. Fotografías bucólicas de Gran Carga poética, llenas de ternura e Ironía.

Fotografías Que A Pesar De Todo ola, decia Kertész, solo HACIA Por pura Satisfacción personal.

Por Razones Económicas Vuelve a Trabajar en la bolsa Hasta 1925, año en El Que Se traslada a París. Frecuenta El Café de la catedral y el Lugar de Reunión de la vanguardia e INICIA Una Relación Con El Mundo Artístico de Montparnasse, Donde sí instala Como ilustrador: Fotógrafo, Imágenes Tomando un Léger, Mondrian, Chagali, Brancussi, Collete.

Trabaja independientemente párr Revistas Francesas, alemanas y británicas.

Conoce un Brassai y Cartier-Bresson. En 1927 realiza la primera Exposición de Su persona en al galería Au Sacre de Printemps.

En esta época desarrolla a instancia de parte de Sus Trabajos Más los conocidos. Cuerpos desnudos distorsionados, reflejadas imágenes, así como Escenas callejeras Llenas de poesía, que influyen en Brassai, aunque siempre este nego Kertész le enseñara que un fotografiar la noche párr Su Proyecto París de noche.

La serie distorsiones, publicada en la revista Sourire, en el Año 1.933, y que se inicia como mero encargo y se convierte en punto de partida en la Fotografía surrealista.

Se casa en 1933 Con Elizabeth Saly y tres años despues se va vivir a Nueva York, para cumplir el Contrato de un año de las Naciones Unidas con la agencia Keystone.

Repetición modular por concepto

2010-04-17T09:45:00.002-05:00

La repetición modular por concepto es la fotografía de productos similares ya sea en su forma o por concepto, esta es muy utilizada en la publicidad de marcas o de productos, para ella es muy importante manejar como lo hemos visto maquillaje de producto y una excelente disposición de las fuentes de luz, además debemos de contar con un muy buen nivel de composición teniendo en cuenta volúmenes, formas, ángulos de toma y composición por líneas, entre otros podemos trabajar ya sea en estudio con iluminación directa, con tienda de luz, en exteriores, podremos también manejar filtros de sombras, flex, o filtros para recrear nuestra composición. En caso de recurrir a la tienda de luz debemos tener en cuenta la hora de toma, lo más conveniente es a partir de las 11 a.m. hasta las 4 p.m., por la temperatura de la luz, pues en horas de la mañana las fotos podrían quedar contaminadas de azul, haden: do menos atractivo el resultado final.

Fotografía de productos con fines publicitarios

Para este caso lo más importante es que el producto luzca de la mejor manera posible además de que en la foto podamos distinguir la marca de el producto, podremos hacer composiciones referentes al producto ya sea por el proceso de elaboración, por sus componentes o por otros conceptos que manejen una estrecha relación con dicho producto.

Podremos realizar estos estudios en estudio, o en exteriores, con iluminaciones de fuente de luz directa o por técnicas de flash, manejando los mismos conceptos de distribución que en las lámparas de luz directa, en exteriores es bueno manejar el flash de la cámara con banda reductora de tolerancia, esta reduce el impacto de la luz del flash evitando aplanar el objeto o sujeto a fotografiar, también utilizaremos filtros de sombras, flex o filtros que creamos convenientes para nuestro objetivo de obtener una imagen excelente que resalte las propiedades de nuestro producto.

Tanto en estudio como en exterior para estos estudios manejaremos velocidad de 1/60, y con diafragmas medios. El foto diseñador debe de mostrar siempre al producto de la mejor manera, por esto siempre debe de maquillarlo, manejar la luz por su dirección, intensidad o potencia y niveles de reflexión.

También es muy importante tener en cuente las texturas del objeto, su forma, su material, brillo, etc. También es bueno tener un buen conocimiento del producto y de sus fines en el mercado, esto nos ayudara a tener mejor control para la disposición de este y de las luces, cosa importante para obtener buenos resultados, por ultimo no olvidaremos el fondo, este debe de permitir contraste, debe de ser un complemento, nunca un elemento distractor y mucho menos el elemento principal. Para fotografía de producto es conveniente repetir la misma foto varias tomas por seguridad debemos tomar al menos tres de cada una.

Los objetos brillantes deberán generar sobre fondos claros líneas oscuras y sobre fondos oscuros líneas claras, se requiere entonces una luz modeladora de flash o de sombrilla dirigida al objeto, esto evita brillos molestos. La fotografía publicitaria requiere de concepto, con efectos como el multiflash (varios destellos de flash con velocidad voluntad) generamos profundidad de campo, con la luz linterna dirigida hacia un punto del objeto generamos fantasía, y con luces homogéneas borramos sombras molestas.

Foto Diseño por Jorge Marín

2010-04-10T10:08:00.001-05:00

En fotografía de diseño lo más importante a la hora de tomar buenas fotografías es encontrar un perfecto equilibrio visual.

Este se logra mediante una correcta planeación y visualización de lo que queremos, para luego pasar a la correcta colocación de los objetos que compondrán nuestra fotografía, será necesario buscar el perfecto equilibrio entre ellos, teniendo en cuenta sus formas texturas, ubicación y demás elementos que conforman una composición, para esto también nos valdremos de la ayuda de la luz, mediante una correcta disposición. Además es importante mencionar que en fotografía de productos con fines publicitarios es necesario proceder a maquillar los diferentes productos, esto no será igual para todos, pues dependerá de su textura, el tipo de producto, formas.

Por ejemplo si vamos a tomar fotografías de helados, tendremos que elaborarlos a base de puré de papas, con anilinas simulando los diferentes colores de acuerdo al tipo de helado que representemos, este preparado durara mucho más tiempo sin el problema de que se derrita, en el caso de las frutas, legumbres y otros productos semejantes, procederemos a realzar el color mediante la utilización de el aerógrafo, en productos que representen bebidas refrescantes untaremos uniformemente el envase con aceite incoloro o vaselina para luego rociar agua que simulara la frescura de dicho producto, en general todos los productos deben de pasar por la sección de maquillaje, como cualquier modelo que quiera lucir su mejor momento. Este proceso garantizara un mejor impacto visual, que cautivara al consumidor, todo esto ayudado de un buen juego de luces, pantallas reflectoras etc.

Fotografía en estudio

Para la fotografía de en estudio sea de productos o de modelos debemos de tener muy claro que vamos a hacer, lo mejor es llevar un cronograma de trabajo que incluya que tipo de fotos queremos, también los materiales que necesitaremos entre otros para maquillar los productos, para ambientar, etc.

Tendremos a disposición al menos dos fuentes de luz una principal y una luz de relleno, estas pueden ser de bombillas de luz constante o de flash. También tendremos pantallas reflectivas, o flex, filtros de sombras y filtros de colores para lograr determinados efectos.

Técnicas De Iluminación

2010-04-10T10:06:00.001-05:00

Para lograr buenas fotografías es indispensable contar con una correcta disposición de la iluminación, una de las principales cualidades de los objetos es reflejar y absorber la luz, esto lo tendremos en cuenta a la hora de tomar fotografías, pues no todos los productos o elementos a fotografiar se trataran de la misma manera, pues esto lo determina la superficie, por su textura, brillo, formas, capacidad de reflejar o de absorber la luz. Utilizaremos pantallas reflectivas para suavizar sombras, generar volúmenes, y generar sensaciones de acuerdo al color de la pantalla.

Estas pantallas también conocidas como flex deben de ser de colores claros, blanco, gris, plata y oro.

La cualidad principal de una pantalla o flex es que su superficie genere una luz difusa y suave, por esto los espejos no sirven, mientras más texturada sea su superficie mejor será el nivel de dispersión de la luz.

1 incrementar la sensación de volumen.

2 distanciar al sujeto del fondo.

3 suavizar los contrastes.

Cualidades de la luz reflejada

Fuentes de luz

La primera será la llamada luz dura o potente e intensa, esta es una forma de luz directa, generadora de mucho contraste, entre la luz y la sombra, llamada línea de frontera, la línea es muy pulida y cortante ocasionando una línea de alto contraste,

Esta luz es la encargada de generar la exposición básica del sujeto, también se utiliza para la fotografía de luz y sombra, clave alta y clave baja, por resaltar mucho la textura del sujeto.

La luz ideal para alto contraste es la luz del sol, en un día radiante, también llamada luz pequeña y dura.

Luz de día semi o muy nublado.

Es una fuente de luz que por sus características es dispersa y posibilita mejorar contundentemente las cualidades del modelo o sujeto, es una luz

filtrada por un material traslucido, siendo la fuente una luz directa, esta luz difusa por un filtro permite que los rayos de luz se dispersen en múltiples direcciones, permitiendo que el sujeto gane en volumen y suavidad de contraste, es decir que las sombras se desvanecen de manera degradada, dejando de ser una línea marcada.

A esta luz se le conoce como luz grande e intensa, pero no directa. A esto se le conoce como difracción de luz, sus cualidades son:

Aumentar el volumen, disminuye el contraste, tonaliza los grises, apastela los colores, independiza al sujeto del fondo, embellece los colores cromáticos del sujeto.

Luz guiada

Es aquella forma de luz direccional que se puede controlar para enriquecer algunos detalles pero no utilizada como luz general, también se le conoce como luz linterna, profesionalmente se le conoce como luces spooth, la otra es la luz spot guiada, pero potenciada por medio de un lente.

Tipos de iluminación

La luz principal: Esta es la encargada de modelar las cualidades del sujeto, su vez también es la luz que marca exposición correcta de la cámara, la cámara registra la luz reflejada y su exposímetro tiene la función de medirla.

La luz que incide a los sujetos se mide por medio de los fotómetros manuales. La luz principal puede ser una luz directa, o una luz dispersa o también una luz refleja o rebotada.

Luz de relleno: Es aquella luz que posibilita el concepto de volumen, suavizando las sombras e independizando al sujeto de el fondo, la luz de relleno debe tener por cualidades la de generar una sensación de profundidad, la imagen se pone más tridimensional y la separa de el fondo, también debe de suavizar las sombras, en los estudios profesionales se utiliza una combinación entre luces intermitentes o flash dispuestos en trípodes con sombrilla que los reflejan sobre el sujeto, con luces continuas y lámparas.

Luz ventana: También conocida como luz de realce, esta trata de imitar la luz del sol en un alto porcentaje es alta, pero detrás del sujeto, también se le conoce como luz viajera esta detrás y encima del sujeto, moldea y define contornos además separa del fondo al sujeto.

Mezcla de fuentes de luz

1 Triángulo de luz este esta compuesto por una luz principal, una luz de relleno y una luz de realce.

2 El cubo de luz o cubo escénico, este se compone por la luz principal, luz de relleno, luz de realce o viajera y la luz de fondo, esta puede ser rebotada o reflejada, o por medio de contraluz.

Ángulos de las fuentes de luz

1 Lateral alta cerca al fotógrafo en un ángulo de 45 grados aproximadamente al sujeto por lo general es la luz principal.

2 Lateral alta al sujeto y al fotógrafo y opuesta a la principal.

3 Luz perpendicular o cenital al sujeto, encima del sujeto.

4 Luz frontal al sujeto, es una luz razante a nivel del sujeto es simulando la caída del sol.

5 Luz antinatural, de abajo hacia arriba es una luz muy dramática, escénica o siniestra es lateral baja.

Tienda de luz

Esta consiste en una estructura cuadrada con sus paredes forradas en un material traslucido, que permita entrar la luz de manera difusa, solo habrá un orificio por donde entraremos el objetivo de nuestra cámara para captar al objeto que estará dentro de la caja, esta se utiliza para fotografiar objetos muy brillantes, para evitar que reflejen objetos que estén a su alrededor, generalmente son joyas, o cristalería, se puede manejar en estudio o en exterior con la luz del sol preferiblemente entre las 8a.m. o las 4 p.m.

La caja debe tener un sin fin corno fondo, para darle más carácter a las fotografías este debe de ser ajustado de acuerdo al objeto, podrá tener textura, degradado o de un solo color dependiendo de lo que queramos de dicho objeto.

PIONEROS DE LA FOTOGRAFIA EN ANTIOQUIA

2010-03-07T15:30:00.001-05:00

Por: Santiago Londoño Vélez

Tomado de: Revista Credencial Historia.

(Bogotá - Colombia). Edición 75

Marzo de 1996

Los Zapateros. Medellín (Colombia), 1895 - Negativo en vidrio. Placa seca de gelatina. 20 x 25 cm - MA 0028-029 - Biblioteca Pública Piloto de Medellín para América Latina.

Archivos Fotográficos - Fondo Melitón Rodríguez

Luego que el daguerrotipo fuera introducido "en Bogotá por el diplomático francés Jean-Babtiste-Louis, barón Gros, quien tomo en 1842 la imagen fotográfica de alcalde de antigüedad que se conoce hasta ahora en Colombia, el pintor Luis García Hevia se convirtió en el neogranadino que más ACTIVAMENTE promovió la difusión de la fotografía. Antioquia fua la Segunda Región colombiana A Donde llegó el invento en 1848 gracias a Fermín Isaza, Probablemente alumno de García Hevia. Un pequeño grupo de pioneros, integrado por hombres cultos con formación o aficiones pictóricas, se aventuró tempranamente en una nueva ocupación que, al tiempo que exigió Conocimientos, ensayos y adaptaciones técnicas, como prosperar Logro actividad artística y comercial, Cuyas obras hoy Constituyen un valioso patrimonio cultural.

Nueve años (después de que se anunciara Oficialmente en Francia El descubrimiento del daguerrotipo, el pintor envigadeño Fermín Isaza Abrio en Medellín, en septiembre de 1848, un gabinete donde puso en práctica el invento de Daguerre. Isaza nació en Envigado, Antioquia, en 1809 . Fue pintor profesional y deleitaba con sus interpretaciones musicales de aficionado las veladas nocturnas de la incipiente villa. Por datos del Censo de Población de 1851 se sabe que había formado un hogar con la costurera Rudesinda Pizarro y Tenía cuatro hijos y una sirvienta. SUS INGRESOS , los originados tanto en su trabajo como en rentas de la tierra, ascendían un 1,002 dólares anuales. Esta suma se compara favorablemente con las entradas de un pintor como José María Hernández ($ 110), quien ganaba lo mismo que un jornalero promedio, O INCLUSO CON $ 1,500 que recibía un rico comerciante como don Leocadio Arango. Si bien el caso de las ganancias de Isaza como artista es excepcional en Antioquia, Sugiere la buena acogida que Tuvo como retratista.)

Probablemente Fermín Isaza Se inició en la fotografía con Luis García Hevia en Bogotá, pues en 1847 está haciendo allí parte de la nómina de profesores de la Sociedad de Dibujo y Pintura, fundada por García Hevia y Simón J. Cárdenas. También se sabe que Participó en la segunda y última exposición que presento Dicha sociedad en 1848. Cabe suponer que García Hevia, pintor también, aprendió la técnica del daguerrotipo con John A. Bennet, más alto Cuyo especializado regentó por un tiempo. Aparte de García Hevia, Isaza Tuvo como colegas a dos de los más importantes artistas colombianos del siglo XIX: Ramón Torres Méndez y José Manuel Groot.

Luego de su experiencia en la capital, Isaza se instalo en Medellín, donde Ganó buena fama como retratista y llevo una vida desahogada. Paradójicamente, hoy está olvidado Prácticamente, y de su obra Antioqueña No se conocen más de cinco piezas entre óleos y daguerrotipos. Según el poeta Rafael Pombo, El Pionero de la fotografía en Antioquia Posteriormente regreso a Bogotá, donde se desempeño como pintor hasta su muerte. A Pesar del aprecio que Tuvo como pintor y fotógrafo, sorprende que muy pocas de sus obras hayan sobrevivido el paso del tiempo.

Emilio Herbruger y Rafael Sanín

El músico y fotógrafo viajero alemán Emilio Herbruger Llegó a Medellín en julio de 1849, Procedente de Estados Unidos, México, Centro América y Cuba. Contaba con tres cámaras que le permitían Producir imágenes de Distintos tamaños y precios: desde $ 4 hasta $ 12 o enmarcados en cajas, y desde $ 10 hasta $ 20 en alfileres y relicarios dorados. Complementaba sus actividades como profesor y compositor de música. El daguerrotipo más antiguo que se conoce en Antioquia, identificado con certeza por el fragmento de una carta autógrafa guardada en la caja de tafilete, la FUE Elaborado por Herbruger hacia 1849. Muestra la imagen, al parecer coloreada a mano, de una dama entrada en años y ataviada ELEGANTEMENTE.

En 1851 el alemán se encontraba en Bogotá, donde sostuvo una agria polémica en la prensa con su Competente John A. Bennet, Referente a los colores de la ropa que usar debian LOS INTERESADOS EN retratar Hacerse. Posteriormente viajo a Cali y de allí pasó a Panamá. Se tiene evidencia de que su hijo, de nombre igual, ejerció la profesión en Centro América en la década de 1870.

En Medellín, el fotógrafo alemán acepto como un alumno Rafael Sanín, de quien se sabe muy poco hasta ahora. De Paso Un anuncio que publicó en 1857, la información que obtenía sus materiales en Norteamérica, y Permite conocer el contundente argumento con que Sanín buscaba atraer a la clientela, revela lo cual,, La función social que cumplía el retrato: tener deseen «Los que consigo la imagen del ser amado, la del amigo, la de la madre, la del hijo, ocurran pronto al retratista, compren sus retratos Cuando sea tiempo de que se Hagan con Exactitud; Porque el día que la enfermedad y la muerte hayan desfigurado el Objeto Cuyo retrato se solicita, ya Será demasiado tarde, ya Será imposible conseguirlo exacto ». Mientras en Estados Unidos el daguerrotipo vivia su alcalde auge en la década de 1850, en Europa ya casi había desaparecido. Fue practicado en Antioquia Durante cerca de diez años, pero Desafortunadamente se conservan pocas piezas, anónimas Generalmente.

El Innovador invento de Daguerre, dispendioso y exigente en habilidad y paciencia, Fue reemplazado brevemente por Procedimientos más económicos. El ambrotipo y el ferrotipo Fueron introducidos en Antioquia por el norteamericano Horacio Becker. Ambas técnicas Fueron ejercidas Con mayor amplitud por el español Antonio Martínez de la Cuadra, quien seria Pocos años por el Competidor principal de Wills y Restrepo.

Vicente y Pastor Restrepo

En 1851, Cuando contaba catorce años, Vicente Restrepo Llego a París (1837-1899), enviado a estudiar por su padre, el comerciante antioqueño Marceliano Restrepo. Al cabo de cuatro años, opto por continuar su formación superior en la Escuela de Minas de la misma ciudad. Pero su desinterés por las matemáticas lo llevaron ingresar como un aprendiz al laboratorio de metalurgia del sabio Poulez. Posteriormente se especializó en metales y minerales en Alemania. Regreso a Medellín y, según anotó en su libro Recuerdos autobiográficos (Bogotá, 1939), construyo un pequeño laboratorio químico al lado de la casa paterna. El 17 de abril de 1858, inicio trabajos de Fundición y Ensaye de oro, el 17 de abril de 1858, con la colaboración de su hermano Pastor. Este, según Vicente, «partía grande afición a las artes ya la industria». Para entonces Existían otras dos personas dedicadas al ramo de la metalurgia, Ricardo Wills y Miguel Gutiérrez. Ambos terminaron trabajando o asociándose con los hermanos Restrepo, quienes les cabe el mérito de haber introducido "apreciables avances técnicos, que significaron Aumentos en el rendimiento del producido de las Minas.

Durante la Guerra Civil de 1858, originada en el Estado del Cauca y la Cual se prolongó hasta 1862, los negocios mineros y El Comercio se Vieron Particularmente Afectados en Antioquia. La inactividad obligada la entretuvo Vicente con aficiones literarias y traducciones del francés, Mientras que su hermano, según recordó, «tampoco perdía el tiempo. Ocupábase alegremente en estudios prácticos de fotografía. En compañía de nuestro inteligente amigo Ricardo Wills, abrimos un taller de retratos fotográficos, en un local contiguo al laboratorio ».

La fecha de Fundación del Gabinete de fotografía de Wills y Restrepo, como se denominó comercialmente, 1858 fue. Allí Comenzaron una Poner en práctica el método del colodión húmedo o «placa húmeda», técnica desarrollada en 1851 por Federico Scott Archer. Una placa de vidrio era sensibilizaba a la luz, y luego Expuesta revelada. La gran novedad era que se producía un negativo del que se podian Obtener varias copias idénticas, una diferencia del daguerrotipo, que era único.

Wills y Restrepo popularizaron de manera local la tarjeta de visita, un género de gran aceptación desde 1854, Cuando lo Inicio en Europa Orlas adornado con viñetas, se convirtió tanto en forma de La distinción social, como en un Objeto de colección, favorecido por los menores precios. Se conservaron las imágenes de personajes célebres como militares, gobernantes y eclesiásticos, Así como las de familiares y allegados. Como complemento A su principal actividad de retratistas, Wills comercializaron Restrepo y, a partir de 1865, artículos fotográficos importados, álbumes y marcos con los que abastecieron el mercado local. En 1866 terminaron la construcción de una sede más amplia para su estudio. En ese momento, sus trabajos ya eran muy Reconocidos tanto en Medellín como en Bogotá. Una DOCENA de tarjetas de visita costaba cuatro pesos y por el pago adicional de un real, les ponían color a mano.

Wills colaboró con artículos de tema político para periódicos como El Indice. Luego de su muerte, la fotografía paso a denominarse «Establecimiento químico fotográfico de V. y P. Restrepo». Durante este primer período, la fotografía de Wills y Restrepo nació como una aventura de dos inquietos químicos INTERESADOS EN Explorar Posibilidades industriales, y se convirtió en un éxito comercial Cuyos resultados hoy se aprecian por su valor estético y documental. Lo que subsiste de su legado, disperso en Algunas colecciones privadas, está integrado principalmente por imágenes de adultos y niños.

En la composición, la pose y el decorado, se basaron en modelos franceses. No obstante, introdujeron variantes en el género del retrato, como el mosaico y el montaje fotográfico, con los que buscaron Superar Limitaciones técnicas y Producir Efectos visuales novedosos. Dos temas desusados revelan el inquieto espíritu artístico que Animo a Wills y Restrepo. El primero, que tiene el carácter de registro urbano, consta de una serie de extraordinarias vistas de Medellín en 1875, Destinadas a la Urna Centenaria que se mantuvo cerrada por cien años, una vez abierta en 1975, las fotografías por desgracia Tuvieron un destino desconocido . El segundo es un pequeño conjunto de fotos de orquídeas que muestran el amor por la naturaleza de los hermanos Restrepo. Precisamente un pastor se Debe la Introducción a Medellín de varias plantas ornamentales traídas del exterior. De un posible tercer conjunto de obras procederá una única foto que se conserva, la Cual muestra el famoso Poporo Quimbaya que se encuentra hoy en el Museo del Oro. Como fotógrafo independiente, Pastor exhibió sus fotografías en las varias exposiciones locales y Nacionales. En 1874 estableció con otro socio un negocio de Importación de mercancías, y dos años después se aventuró con su hermano en la producción de cerveza por primera vez en Antioquia. La bebida Tuvo buena acogida, pero los propietarios vendieron la fábrica en 1885, pues Vicente había asumido el Ministerio del Tesoro en la segunda administración de Rafael Núñez, en agosto de 1884.

A Pesar de las DIVERSAS aventuras comerciales e industriales, la verdadera pasión de Pastor Restrepo Fue la fotografía. En 1874 viajo a Europa con el fin de Mejorar sus conocimientos. Dejó encargado de su Establecimiento a Enrique Latorre, quien Posteriormente ejercería de Manera Independiente el oficio. Durante su ausencia, Tuvo lugar el famoso crimen del Aguacatal, en el Cual «Daniel el Hachero» dio muerte con otros cómplices un seis personas y dejó una heridos tres menores. En el juicio, el Dictamen Médico Legal Por primera vez utilizo la fotografía como elemento probatorio, y los curiosos podian Adquirir cuarenta centavos por una copia en la foto de Restrepo.

En París, el pastor visito los estudios de Distintos fotógrafos, mejoro sus Conocimientos sobre esmaltado retoque y, y adquirió de León Lambert la licencia exclusiva para Utilizar el Procedimiento QUE ESTE Desarrollo para Obtener positivos de formato grande, conocido como «lambertipia». Adicionalmente se abasteció de materiales de trabajo, telones de fondo y elementos decorativos que utilizo para ambientar sus fotos de estudio y dar un toque de Distinción A su clientela.

Durante el lapso 1864-1876, el período de paz y prosperidad que Vivió Antioquia, bajo el gobierno de Pedro Justo Berrío Resultó muy benéfico para el arte de la Cámara. Restrepo prosperó como fotógrafo y expandió sus Actividades a otras poblaciones. Se Asocio por un tiempo con el español Antonio Martínez de la Cuadra, con Antonio José Bravo estableció la sociedad «Bravo Restrepo & Co.», que funcionó como sucursal viajera con sede en Rionegro. Luego contrato A Gutiérrez Juan Nepomuceno, popularmente llamado «Gutierritos», quien También fue su agente fotográfico.

A partir de 1876, Cuando Estallo una nueva guerra civil, el panorama para los fotógrafos antioqueños cambió por completo. El crecimiento de la actividad no sólo se freno, sino que se puso en entredicho la sobrevivencia de sus practicantes. Uno de los principales recursos Fue el de AliaRSE para sociedades FORMAR, lo que les permitia compartir sede, equipos y materiales e idear nuevos productos. De una sociedad que Formó Pastor Restrepo con Enrique Latorre y el pintor y fotógrafo Gonzalo Gaviria, surgieron las populares «foto-pinturas», retratos fotográficos repintados al óleo, en las Cuales se combinaba el Indiscutible parecido obtenido con la cámara, y con el realismo efecto estetizante del color al óleo. Misma La sociedad Adopto en MedeIlín el ambrotipo y el ferrotipo iluminado a mano, técnicas que había introducido "Martínez de la Cuadra. Éste también español probo suerte con un molino para el cacao, pero Tuvo poco éxito.

Pastor Restrepo no sólo Fue un empresario Innovador que buscó diferenciarse Superar Y a sus Competidores, que en verdad no eran muchos, sino que produjo obras de arte en Consonancia con la estética decimonónica del retrato fotográfico. Pero las Severo Dificultades impuestas por la guerra, tal vez lo desengañaron. Opto por Dedicarse por completo a las actividades comerciales. En 1887 figura como propietario de la Droguería Central, localizada cerca a la principal plaza de mercado. Allí se podia comprar vino, perfumes y medicamentos. No obstante, los Conocimientos y las Fórmulas que Adapto Pastor Restrepo uno locales las disponibilidades de materias primas se transmitieron A OTROS fotógrafos, entre los Cuales Fue muy apreciado el Procedimiento de revelado de placas, como lo atestigua el «Formulario de Fotografía» del fotógrafo y escritor Benigno A. Gutiérrez ..

Gonzalo Gaviria y la fotografía «instantánea»

El Heredero de los pioneros de la fotografía en Antioquia Fue Gonzalo Gaviria, quien estudio pintura y fotografía en París. Gaviria conservó el archivo de Wills y Restrepo y el de Pastor Restrepo. Fundó su gabinete fotográfico hacia 1881, luego de Asociaciones de corta duración con otros colegas. El alcalde de La novedad que introdujo Fue la llamada «fotografía instantánea», La Cual aplico Ampliamente por sus ventajas en El difícil género del retrato infantil. Esta técnica se denominó «placa seca» a partir de 1880, Cuando La comercializó en Estados Unidos George Eastman. Tan Solo Un Año Después, Gaviria la practicaba con maestría en Medellín. Trabajaba en su estudio de ocho de la mañana a las tres de la tarde, y para 1889 su archivo contaba con diez mil negativos, en un momento en que la población de Medellín escasamente superaba los 45.000 habitantes. Sin duda Fue uno de los fotógrafos más prolíficos y comercialmente Exitosos de la Historia de este arte en Antioquia.

A su muerte, el estudio fotográfico pasó a manos de Juan Nepomuceno Gutiérrez. Luego Fue adquirido por Gonzalo Escovar, discípulo de Pastor Restrepo, y se mantuvo activo hasta 1925, aproximadamente. Su archivo, junto con los de sus predecesores, pasó a manos del fotógrafo Jorge Obando, y es de presumir que este Importante acervo cultural e histórico reposo olvidado hoy en manos de sus familiares.

Los Pioneros de la fotografía en Antioquia cumplieron tres tareas Fundamentales: adaptaron de manera local de Manera Exitosa la técnica de reproducción de imágenes, Lo cual produjo un efecto Indeleble en el imaginario colectivo, donado hasta entonces por la iconografía religiosa. Establecieron el retrato civil como un arte que preservación de la muerte y legar Permite una imagen fidedigna A LOS descendientes. Y configuraron una memoria visual, que hoy es un patrimonio invalorable documental y artístico de Antioquia, el Cual, una diferencia de la parte el alcalde de la arquitectura local que Sucumbíos A UN mal entendido progreso, sobrevive una Pesar de su fragilidad en Algunas colecciones públicas y privadas.

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Melitón Rodríguez

otógrafo antioqueño (Medellín, 18751942). Hijo de Melitón Rodríguez Roldán, Tallador Lápidas de mármol y, en 1885 tomo lecciones de dibujo y pintura en el taller del pintor Francisco Antonio Cano (1865-1935), con quien Tuvo una gran amistad.

La Fotografía Rodríguez se estableció de Manera Independiente en 1897. Horacio Marino se dedico a la arquitectura y el estudio quedó un cargamento de Melitón, quien trabajo en él hasta 1938, Cuando Se Retiro. El Establecimiento Se mantiene Aún activo, gracias a los descendientes del fotógrafo, que conservan un archivo organizado de más de 80 000 negativos.

Melitón Rodríguez Participó en distintas exposiciones artísticas Durante su carrera y obtuvo varios premios, entre los que se destaca el que ganó en Nueva York en 1895 por su foto de Los Zapateros.

Viajo por diversos pueblos de Antioquia y capto escenas de los municipios y vistas panorámicas, Constituyen hoy que, junto con las demás piezas de su vasta obra, documentos esenciales de la historia de Antioquia y, en particular, de Medellín y sus gentes.

Steven Meisel

2010-01-30T13:35:00.000-05:00

Steven Meisel (nacido en Nueva York, 1954) Reconocido fotógrafo de modas estadounidense que se hizo popular por su gran trabajo en la revista Vogue y por las fotografías que le tomo a su amiga Madonna publicadas en el libro del año 1992, Sex. En la actualidad, es considerado uno de los más exitosos fotógrafos en la industria de la moda.

Estudió en la Escuela Superior de Arte y Diseño y en la Nueva Escuela de Diseño Parsons. Allí acudió a diversos cursos, sin embargo, se graduó sólo en Ilustración de Moda.

Uno de sus primeros trabajos fue como ilustrador del diseñador Halston. Meisel jamás pensó que llegaría a convertirse en fotógrafo. Admiraba a artistas como Jerry Schatzberg, Irving Penn, Richard Avedon y Bert Stern. Más adelante, mientras trabajaba como ilustrador en el periódico de modas Women's Wear Daily, acudió a la agencia de modelos Elite, donde dos chicas que laboraban allí le permitieron tomar fotografías a algunas de las modelos. Las retrataría en su apartamento de Nueva york o en la calle: durante los días hábiles trabajaba en Women's Wear Daily y los fines de semana trabajaba con las modelos. Agunas llevaron sus fotografías a la revista Seventeen, posteriormente, los encargados de la publicación llamaron a Meisel y le propusieron trabajar con ellos.

En la actualidad, Meisel trabaja para muchas revistas de moda, incluyendo Vogue en sus ediciones italiana y estadounidense. Ha sido el único fotógrafo designado a la portada por casi 15 años. Aunque su estudio está ubicado en la calle neoyorquina de Wooster, suele arrendar los estudios en Pier59.

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Spencer Tunick

2010-01-28T19:23:00.001-05:00

Este fotografo a logrado retratar con su lente en varias ocaciones a miles de personas desnudas en un sólo lugar, en plazas públicas, estadios, plantaciones, en fin cualquier lugar es apto para captar las maravillas del cuerpo humano a travéz del lente de este fotógrafo norteamericano.

Las personas que posan frente a el son generalmente convocadas por internet o por la prensa escrita y en varias ocasiones se a logrado reunir mucha m`´as gente de la esperada, pues allí las personas sin distinción de sexo, edad, raza o religión, pueden dejar todos sus tabues y dejarse tomar fotografias en multitud.

El trabajo de Tunick empezó tras una gira realizada por cincuenta estados de EEUU, su proyecto se volvió cada día más ambicioso y es como ahora realiza su trabajo a escala mundial, su trabajo ha estado en ciudades como New York, Miami, Glasgow, Roma, Montreal o Sidney, Barcelona, México, Santiago de Chile, Copenhague, Viena, etc.

Tunick ha encontrado también muchas trabas a su trabajo, llegando a tener varios altercados con la policía de Nueva York que llegaron a arrestarlo, por haber hecho posar a modelos enteramente desnudos por las calles de la Gran Manzana, aunque finalmente la Corte Suprema prohibió al consistorio neoyorquino arrestar al fotógrafo, en aplicación de una excepción constitucional para las actividades artísticas.

La obra de Tunick es impactante estética y emocionalmente, y sin embargo está lejos de ser considerada pornográfica o erótica, el fotógrafo se ha mostrado feliz y sorprendido por su capacidad de convocatoria, en los diferentes escenarios en los que se a propuesto llevar su obra, hasta el punto de reunir a más de 2.000 personas desnudas en una plaza en Melbourne, la segunda ciudad más importante de Australia a 9 grados centígrados, hecho que demuestra el alto nivel de éxito conseguido por Tunick, que sin duda marcará un hito histórico en el mundo de la fotografía.

Rubén Afanador

2009-10-29T18:13:00.000-05:00

Rubén Afanador, Sin duda alguna el fotógrafo colombiano más reconocido en el mundo del glamur internacional actualmente residenciado en New York.
El ojo mágico de Rubén Afanador, obtura sobre imágenes reconstruidas de realidades paralelas a la nuestra, que habitan universos oníricos, logrando situarlas con decoro y maestría en sus fotografías… un vidrio tachonado con pinturas diversas, una malla que cubre ligeramente la piel, cabellos enmarañados, cejas semejantes a penachos punk, una roca gigante a manera de sombrero de la más pura esencia surrealista, fondos con brochazos de colores intensos, cinturas diminutas revestidas de pedrería, uñas que se prolongan en el espacio soportando pesados piercing, cremalleras, plumas, encajes y maquillaje carnavalesco.
Elementos cotidianos en sitios exóticos o elementos exóticos en sitios cotidianos, todo confluye en una explosión de glamur y misterio, en evocaciones e ilusiones, de dramatismo y sensualidad.
Su carácter sensible, hizo que desde su niñez en Bucaramanga, su ciudad natal, aprehendiera la esencia del trópico, de una Latinoamérica enmarcada en lo ritual y lo ceremonial, en una región que soslaya su cruda realidad, maximizando ferias, corridas de toros y reinados de belleza. Algo que para muchos es un diario vivir, para Rubén Afanador se convirtió en la máxima expresión de su sentir.
Trabaja sus imágenes con un particular concepto del color que se pasea por gamas luminosas y atrevidas como queriendo salirse de su marco, o con sobrios y lúgubres contrastes en blanco y negro, que pelean su permanencia reclamando su lugar dentro de lo clásico, siendo afirmadas en toda suerte de texturas y formas que van desde una simple cama hasta entramadas obras arquitectónicas. Todo esto conformando un armonioso conjunto con los trajes y modelos que se amalgaman, adoptando el carácter misterioso, opulento, clásico y elegante de su entorno.
Sus primeros trabajos profesionales los lleva a cabo en Washington, con una firma nueva de un fotógrafo amigo, Jahn Stephens. En 1987 parte hacia Milán, para continuar la formación de su portafolio enriqueciéndolo con esta experiencia en Europa. Como principiante tranza alianzas con jóvenes modelos y diseñadores desconocidos, apoyándose mutuamente en sus carreras. La falta de recursos económicos y de un estudio propio, lo empujan a recurrir a espacios exteriores en callejones y avenidas, y es allí, en la clásica Italia, donde evoca el pasado de cualidades religiosas y románticas de su infancia, que le dan a su fotografía su sello particular apegándolo, hasta hoy, a ese tipo de locaciones.
En 1989 regresa a Washington con un amplio portafolio que capta la atención de especialistas y se muda a Nueva York, en donde empieza a desarrollar su profesión. El trabajo realizado en colaboración con Rubén e Isabel Toledo, una secuencia en blanco y negro cargada de dramatismo, atrae el interés de editores de revistas y personalidades de la moda, dando un viraje a su carrera que lo catapulta hacia un contacto permanente con las grandes publicaciones de moda de Estados Unidos y Europa.
Considerado como uno de los líderes de la fotografía de moda, sus imágenes recorren el mundo invadiendo la portada de las más prestigiosas revistas como París Vogue, American Elle, Vanity Fair, New Yorker, Rolling Stone, New York Times magazine, Allure Esquire, Premier y otras tantas. Es fotógrafo de marcas como L´Oreal, Lancôme, Yves Saint Laurent, Max Mara, Moschino, Cacharel, Guerlain, Oscar de la Renta, Christian Dior, Victoria´s Secrets.
Con su estética particular se ha permitido también incursionar en el campo de los videos musicales, dirigiendo en 1995 Rock and roll is dead y Circus de Lenny Kravitz y en 1996 The Child Incide para Qcumba Zoo.
Su máximo reconocimiento lo obtuvo en el 2000, cuando fue galardonado con el premio al mejor fotógrafo de moda del año en el mundo, en los 2000 Trophée de la Mode Awards en París, el más alto reconocimiento en ese campo, otorgado por un jurado compuesto por 4000 de los más importantes nombres en la industria de la moda. En esta fecha al recibir el trofeo, de manera sentida expresó: “Dedico este premio a la mujer colombiana que es la que me inspira en todo mi trabajo”.
Así con sus fotografías de rostros suplicantes o desafiantes, lágrimas que nunca caen, gritos eternos que jamás escucharemos, sensaciones que permanecen como permanecerán en nuestra memoria sus imágenes con su mensaje seductor y muchos otros sentimientos que expresa cada vez que habla de Colombia, con esa ligazón profunda a sus raíces y a su pedazo de mundo que siempre lleva en su equipaje y en sus vivencias donde quiera que esté.
GILMA SUÁREZDIRECTORA
Fotomuseo

Alix Malka

2009-10-29T18:09:00.001-05:00

Alix Malka Es uno de los nuevos talentos de la industria de la moda actual, nacido en París, Alix Malka es hoy uno de los más solicitados fotógrafos por las revistas internacionales. Su mayor influencia son las películas de Pedro Almodovar y el mal gusto de John Waters, así como diseñadores como John Galliano y Alexander McQueen. Obsesionado por el color, Malka crea imágenes saturadas, que rebosan de energía, fantasía y vitalidad.

Ha hecho editoriales de moda y para Vogue en diferentes países, Photo y Citizen K. Su primera incursión al mundo de la moda la hizo en 1985 cuando empezó a trabajar con el diseñador Tierry Mugler.

Alix Malka is one of the new talents in today fashion industry. Born in Paris, Alix Malka is one of the most sought after photographer by international magazines. His biggest influence are Pedro Almodovar movies, John Walters bad taste and designers like Jhon Galliano and Alexander McQueen. Obsessed by color, Malka create saturated images full of energy, fantasy and life.

He has produced fashion editorials for Vogue Magazine in different countries, Photo, and Citizen K. His first contact with the fashion world was in 1985 when he began to work with designer Tierry Mugler.

Historia de la Fotografía

2009-10-22T07:57:00.000-05:00

Hace 170 años, en 1839, el inventor de origen vasco Louis Jacques Daguerre dio a conocer un instrumento que marcó un hito en la historia de la fotografía: el daguerrotipo। Desde entonces innumerables aparatos e instrumentos han revolucionado el mundo de la imagen. El "Photomuseum" de Zarautz invita a realizar un interesante viaje por el mundo de la fotografía, cuyo punto de partida son aquellos primeros inventos y que finaliza en la fotografía actual.

En la maravillosa historia de la fotografía tenemos que dedicar un extenso espacio a inventores y pioneros tales como: Bayard, Nadar, Disderi, Talbot, Eastman, Barnack, Land, Cros Ducos de Hauron, Lumiére, Marey, entre otros... así como a las aplicaciones de la fotografía en las artes gráficas, la enseñanza, medicina y otros disciplinas। También a las marcas y empresas involucradas en la fabricación de los de productos fotográficos.

Daguerre: Un vasco en los albores de la fotografía
Louis Jacques Mandé Daguerre, inventor de origen vasco, nació en Cormeilles-en-Parisis el 18 de noviembre de 1787। Este pintor y decorador teatral, comenzó a investigar con el fin de mejorar el mundo de la imagen.

Su primer invento, el diorama, atrajo a muchos parisinos hasta que en 1839 fue pasto de las llamas।

Su segundo invento fue el daguerrotipo। El daguerrotipo era un puente entre la cámara negra creada por Zahn y retocada por Niepce, y la cámara de objetivo del alemán Petzvalen. El nuevo instrumento sentó las bases de la fotografía. El descubrimiento se anunció en todos los diarios y revistas de la época.

El gran científico Arago manifestaría al respecto: "¡El mundo de la arqueología se verá inmensamente enriquecido gracias a la nueva ciencia! Se necesitarían 20 años y cantidad de dibujantes para copiar los millones de jeroglíficos que se esconden en Tebas, Menphis, Karnak... y en otros monumentos। Con el daguerrotipo, todo ese trabajo puede ser realizado por un solo hombre".

El 12 de enero de 1839, el Vizconde de Launais realizó las siguientes declaraciones en la publicación "Lettre Parisienne": "Se habla mucho del nuevo instrumento de Daguerre। Realmente se trata de una invención admirable, aunque nosotros apenas entendemos de eso".

En cualquier caso, el nuevo invento de Louis constituyó el acontecimiento más importante del París de aquel entonces। A los pocos meses de la creación del Daguerrotipo, muchos parisinos se mostraban impacientes por probar el nuevo instrumento. La gente cargaba con el daguerrotipo, que pesaba más de 10 kilos, y salía a retratar diferentes motivos.

Al parecer, una especie de locura se apoderó de los parisinos। Ese es el motivo por el cual el dibujante Maurisset reflejó la "daguerrotipomanía" en algunas estampas de la época.

El descubrimiento revolucionó especialmente el mundo de la información। El nuevo instrumento permitió seguir de cerca las guerras de Crimea y la de la Secesión Americana.

Por lo que sabemos, el daguerrotipo se utilizó por vez primera en Euskal Herria durante la 2ª Guerra Carlista. Así lo atestiguan las fotografías realizadas por un desconocido al mítico cura Santa Cruz o los retratos del navarro M. Ibañez de los voluntarios del Rey.